Un recorrido de grandes saltos entre la imagen erótica y el vougerismos
Fotografía social y estudios de la cultura visual fotografica
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Nombre: Two Nudes Standing Autor: Félix-Jacques-Antoine Moulin
Original: Daguerrotipo 14,5 x 11,1 cm. (preservado dentro de un cuadro de acero hermenéutico que contiene gas inerte).
Fotografía realizada: en Agosto de 1850
AUTOR:
Félix-Jacques-Antoine Moulin (Francia, 1802– 1875)
Felix Jacques es uno de los pioneros en el desnudo fotográfico. Two Nudes Standing es considerada el primer desnudos.
En los comienzos de la fotografía, las dificultades tecnicas para producir y reproducir una imagen eran muy difíciles y complicados. Tanto los tiempo de exposición como la fragilidad de los materiales, complicaban los procesos de creación como los de perduración de la misma.
De aquella época ha quedado solo una pequeña parte de la historia de la fotografía, gracias a la investigadores, restauradores, historiadores, coleccionistas.
Hay tres desnudos fotográficos de la época del daguerrotipo que han podido sobrevivir en el tiempo los cuales se consideran como los primeros realizados y se han producido grandes debates en torno a cuál fue el primero. Los autores de dicho daguerrotipo son Daguerre, Bayard y Moulin.
La fotografía de Louis Daguerre (1787-1851) , son los torsos desnudos de las esculturas de un Jardín. La fotografía de Hippolyte Bayard (1807-1887), es autorretrata con medio torso descubierto, ahogado, simulando su propio suicidio. Fotografía polémica donde el autor dice que es la única salida que encontró al ser ignorado sus descubrimientos fotográficos por el gobierno Francés, quien le daba todo los créditos a Louis Daguerre. La tercer foto, la que analizare, es de Félix-Jacques-Antoine Moulin llamada Two Nudes Standing . Es una foto de dos jovencitas desnudas abrazadas posando para la cámara. Que más adelante analizaremos. Debido a las dificultades con la definición de la creación de las primeras fotografías eróticas no tiene sentido idear una disputa sobre quién de ellos era el "más-más primero", y quién es su autor. Más bien, deberíamos hablar de un pequeño grupo de las primeras fotografías tomadas antes de 1850.
Las primeras fotografías no tienen nombres individuales. En las colecciones de museos modernos que aparecen bajo los nombres que reflejan las, los rasgos más característicos esenciales de la imagen: "Una niña de pie ...", "... Dos mujeres desnudas", "desnuda en la columna ..." y así sucesivamente - que es a menudo una fuente de confusión. se cree que la primera fotografía erótica es un daguerrotipo de Félix-Jacques Moulin, creado en 1850 A lo sumo, se especifican la autoría y fecha de creación correctamente pero muy a menudo de la fecha de su creación en 1839, se considera incorrecta. Es ingenuo creer que las imágenes eróticas aparecieron inmediatamente después del 10 de agosto 1839, cuando Louis Jacques Mande Daguerre presentó su invento de la Academia Francesa de las Ciencias. Un mes antes (03 de julio 1839)
En los comienzos de los años 1840 se realizaron mejoras en los procesos químicos de la fotografía, y en las lentes. Entre los desarrollos tecnológicos que se produjeron se encontraba la cámara estereoscópica que dio la sensación de imágenes tridimensionales presentando dos imágenes ligeramente diferentes una al lado de la otra. Estas imágenes no solamente eran usadas para retratos convencionales sino también para mostrar imágenes secretas eróticas. dos de los mas prolíferos expositores de estas nuevas técnicas fueron Moulin (autor de la foto arriba expuesta) y Auguste Belloc (1850-1868). Dos fotógrafos Franceses que llegaron a dominar el desnudo. Sus imágenes en general de orden pictórico fueron referencia para pintores como Coubert y Delacroix. Desde sus orígenes la fotografía fue gran ayuda para pintores y escultores. para los cuales se realizaron una serie de libros con modelos desnudos posando en diferentes formas. Ya a finales de1880 y 1890 comenzó un movimiento de reconocimiento a la fotografía como forma equivalente al arte. Se la reconoce como la fotografía pictórica.
El objetivo de la fotografía pictórica es la de establecer a la impresión fotográfica como una verdadera obra de arte, creando así productos que estuvieran más cerca de la pintura, tanto en contenido como en forma.
En 1840 el desnudo comienza a proliferar cuando las exposiciones se hicieron menos larga. Los primeros estudios que se conocen datan de alrededor de 1847. el desnudo prolifera en Francia, principalmente como resultado de la introducción a París en 1851 del estereoscopio de Sir David Brewster.
El desnudo se convirtió en rápidamente en un mercado de pornografía, en su mayoría ilegal. La producción de escenas de desnudos y de erotismo era para un público que realmente lo solicitaba
Análisis
La carrera de Félix Jacques-Antoine Moulin era típico de los fotógrafos franceses tempranos del desnudo. Se fabrican desnudos y escenas de género dudosos, que se pueden clasificar generalmente en tres grupos, que se define en términos generales por el grado de indecencia al que pertenecían:
· Los estudios supuestamente realizados para la utilización por los pintores, donde las cifras se plantean 'clásico' en escenarios idealizados.
· En una segunda categoría presenta un carácter más explícito, desnudos o semi-vestido, y con frecuencia aparece la retórica de contacto con los ojos, expresiones faciales.
· Mientras que el tercero, el modo pornográfico, que registra actos sexuales de todo tipo, que muestran una profusión y una perversidad que difícilmente se supera en la actualidad.
Por supuesto, por las convenciones de las imágenes en tiempo de las tres categorías se consideraría indecente, si no ilegal, destinada para el gabinete privado del caballero. En efecto, sabemos que Moulin tenía un poco de problemas con la ley (Francia, 1802– 1875) fue sentenciado en 1851 a un mes de prisión por producir esta imagen que, de acuerdo al tribunal, estas eran "tan obscenas que, incluso de pronunciar su titulo sería cometer un acto de indecencia".
Moulin abrió un estudio de fotografía en la Rue du Faubourg Montmartre 31-bis, y empezó a venderlos produjeron daguerrotipos de niñas entre las edades de 14 y 16 años de edad. La foto de Moulin pertenece a la segunda categoría anterior mente nombrada y viene de una serie de grandes daguerrotipos placa que Moulin hizo en 1849-1850 .
El proceso era complicado y demoraba un importante tiempo en el momento del disparo, que (dependiendo de la luz) podría tardar hasta diez minutos , fue necesario alterar el objeto a fotografiar. Modelos posan (de pie, sentado, acostado) fueron elegidos teniendo esto en cuenta, y las columnas, estatuas, muebles y otros accesorios de interior, que está presente en las imágenes, a menudo sirven como puntos adicionales de apoyo a la inmovilidad.
En la foto de Moulin vemos que la pose demanda cierta complejidad con respeto al tiempo de inmovilidad que exigía para lograr fijar la imagen. Si bien en esta no hay objetos o muebles que sirven de apoyo las dos jovencitas se sostienen mutuamente, La niñas están "colgadas" en el espacio, con la espalda "apoyada sobre telón" con una mano en una cierta elevación difícil de sostener por mucho tiempo. En el fondo, la imagen es difícil de adivinar así también el uso de cortinas en el fondo no crea una sensación de espacio modelo de "congelación" en una posición poco natural. La profundidad escénica no importaba estéticamente. Estas posiciones no tienen la sequedad del clásico fotográfica "Academia", que da la impresión de que la imagen es para artistas como un sustituto de un modelo vivo. Por último este daguerreotipo parece más aliado al arte que al arte erótico. Ausente son los apoyos de tocador, el peinado, y posturas provocativas típicas de daguerreotipos pornográficos coloreados a mano.
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Pepper No. 30
Gelatina de Plata impresa en contactos
1930
24.1 × 19.2 cm
AUTOR
Edward Weston, nació el 24 de Marzo de 1886 (Hihgland Park, Illinois).Muere el 1 de Enero de 1958 en Widcat Hill. Comenzó a fotografiar cuando tenía dieciséis años. Procede entonces, como muchos otros fotógrafos, del ámbito de la fotografía familiar. Es considerado como un pionero y como uno de los representantes más consecuentes de la “fotografía directa” norteamericana[1]. Fue uno de los primeros en considerar la fotografía como una forma de arte. Comenzó su carrera como retratista y consiguió fotos de estudio muy elegantes y delicadas. Al principio trabajó en su propio estudio de retratos en Tropico, California, trabajó principalmente con objetivos anacromáticos, en el estilo de la fotografía pictórica que el desconocida. En esos años gano varios premios y participo en grandes exposiciones, ya se había convertido en un "fotógrafo de lujo" Entre 1921 y 1922 se produjo un vuelco en la fotografía de Weston, quien cada vez se sentía más cómodo experimentando, buscando motivos abstractos, con ángulos de enfoque y condiciones de exposición insólitos en ese entonces. época en que conoció a la escuela pictoralista después de haberse conectado con fotógrafos como Stieglitz y P.Strand. Más tarde abandonó esta tendencia y se dedicó a la fotografía pura. Solía utilizar primerísimos planos para conseguir una calidad semi-abstracta, como hizo en su famosa obra sobre los pimientos verdes la cual analizaremos mas adelante. A partir de ese momento Weston realizó fotografías muy precisas, con una gran fidelidad de detalles y una asombrosa nitidez. Este cambio de estilo fue indudablemente por su encuentro con los fotógrafos de la “foto secesión”[2].. En 1923, Weston cuando viaja a México abre un estudio y entabla amistad con los pintores surrealistas Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, Frida Kalo eran los comienzos del arte de la revolución mexicana.. luego del viaje cambia sus formas, rompe con la fotografía pictórica. En1927 vuelve a Estados Unidos y en 1932 funda el f/64[3] junto con Ansel Adams que para mediados del siglo XX tenía una de las propuestas más sólidas de la fotografía mundial, era un grupo de fotógrafos partidarios de la fotografía detallista sobre la naturaleza. Este grupo iba a convertirse en el núcleo de la fotografía directa
Para Weston la pintura -la pintura que aborrecía- consistía fundamentalmente en la indefinición, en la bruma de cierto postimpresionismo o subimpresionismo, y en la composición que buscaba imitar la del arte académico del siglo XIX. sin embargo hasta 1940 sus fotos son constante referencia a la pintura. No importa que la referencia fuera beligerante y agresiva; pero la aspiración a una autonomía del género está constantemente contradecída por los temas y por los títulos: retrato, desnudo, naturaleza muerta que el realizaba. Le hizo ver que el pictorialismo era un callejón sin salida y empezó un periodo de análisis que le conduciría hacia una pureza fotográfica. Dotado de un gran sentido de la composición, los objetos de Weston, ya sean conchas, pimientos o un excusado, incluso algunos de sus desnudos, responden a su estado de ánimo, y se llenan de opulencia y vigorosidad al acercarse a ellos.
Análisis de la foto : Mas allá de los pimientos...
La exposición se realizó dé tal modo que, privilegiando las sombras, el negativo sólo recogió algunas de las luces que convergen en el objeto mientras los revelados del negativo y el papel acentuaron las luces logrando un efectivo juego de contrastes. El resultado es que las luces se adaptan a las formas del pimiento de tal manera que las zonas oscuras que las rodean y se intercalan en ellas muestran líneas de curvas sutiles sumamente sensuales. La fotografía tiene una intencionalidad y una autoría por sí misma. Weston consideraba la necesidad de controlar adecuadamente sus materiales y equipos ya que los resultados serian más auténticos y fidedignos con el autor. El manejo de la luz es lo primordial; no importa tanto el sujeto fotografiado como lo que se capte de la luz que se proyecte en él y las sombras producidas. En esta perspectiva, la composición de la imagen sufre una transformación inmensa permitiendo toda una reinterpretación de la realidad fotografiada
Los pimientos permiten entender esta concepción de la fotografía como autentica, estrechamente relacionada con la intención del autor, la intensión está dada por quien saque la foto. Los pimientos de Weston nos muestran la capacidad que tiene el autor de lograr abstraerse casi totalmente de las formas reconocidas por todos, para crear una visión de las cosas en las que las referencias se hacen insoslayables, pero al mismo tiempo apenas reconocibles.
La fotografía no es imitativa pero es realista, debe captar la realidad sin artificios teniendo en cuenta que el momento poiético[4] surge de la elección del punto de vista. Así el pimiento se transforma en un ser amable, una escultura, un cuerpo, una figura completamente sensual, más allá de un alimento en una cena.
Su método de trabajo le permitió captar lo que él consideraba realmente esencial de un paisaje, un objeto o un cuerpo, excluyendo los efectos fugaces de la luz, la atmósfera y el movimiento. A Weston lo atraían profundamente las analogías o las correspondencias. El desnudo en forma de pera no es un azar: es un hallazgo "con intención". Otro tanto acontece con fotos posteriores los pimientos, las conchas impregnadas de resonancias sexuales. Negaba indignado, ese propósito; pero sus protestas no son convincentes: habría que ser ciego o tonto -y Weston no era ni lo uno ni lo otro- para no percibir esa dimensión sexual que era evidente para los demás. Weston jugaba con esas analogías y se complacía en ellas, así la más desprendida objetividad,
encontraba en el mundo vegetal correspondencias con los órganos sexuales femeninos, cuerpos y torsos. El pimiento se transforma en un musculo retorcido, en un torso musculoso, parece una escultura. Escudriña sus formas. Cambia la iluminación hasta llegar al ser del objeto, es difícil creer que esos volúmenes y esas texturas hayan acudido ingenuamente a la cámara de Weston, y es más plausible sospechar que le daba deliberadamente a esas fotos la misma intencionalidad escultórica y para nada pictórica. La expresión de lo erótico esta en esa cualidad que trasciende lo sexual y gana una dimensión extra, la del afecto. Logra en el pimiento como en el resto de sus fotos una intensa originalidad de las naturalezas muertas. Literalmente, proveen una visión nueva, una manera de ver la naturaleza radicalmente distinta a la proporcionada por otros medios de expresión y una mirada completamente diferente de lo erótico, podemos ver como erótico se transforma de un autor a otro, uno busca en la realidad de los cuerpos la sexualidad tacita el otro busca por medio de analogía una poiesis, la sensualidad en la forma metafórica. Con esta receta E.W. persigue el objetivo de casi todos los fotógrafos de la primera mitas del siglo XX: hacer de la fotografía un arte autónomo con un lenguaje estético propio.
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Título: Tientos #7
Año: 1995
Dimensiones: 21,4 x 28,5 cm.
Técnica: Fotografía en blanco y negro sobre papel baritado, virado al selenio
Edición: tiraje de 15 originales numerados 1/1 al 15/15 Enmarcación: sin enmarcación
AUTOR
Rafael Navarro fotógrafo español nacido en Zaragoza en 1940. Inició su larga andadura artística a principios de la década de los setenta Primero incursiono en el reportaje, el teatro y los deportes. Finalmente las artes plásticas atraparon su atención y es donde comenzó a desarrollar un lenguaje más personal. Activo en el mundo de la fotografía, fundó en 1977 junto con Manuel Esclusa, Joan Fontcuberta y Pere Formiguera, el grupo Alabern[5]. Un año más tarde es designado representante en España del Consejo Latinoamericano de Fotografía y en 1985 miembro del Consejo Asesor de la Fundación Miró de Barcelona. Entre sus más de 700 publicaciones hay que destacar libros como Dípticos (1986), La forma del cuerpo (1997), y el más reciente Cuerpos Iluminados (2006). Sus obras han girado siempre en torno a dos ejes paralelos: la representación del desnudo femenino y del desarrollo de una abstracción basada exclusivamente en la repetición y la ocultación de la figura por motivos reales, puramente físicos es lo que se ha venido en llamar un «fotógrafo puro», sin ayuda de trucos de laboratorio, sin necesidad de apoyarse en la digitalización de las imágenes, sin retoque. Después mantuvo poco contacto con los fotógrafos españoles de generaciones anteriores, los cuales estaban más interesados en la fotografía documental. En plena fiebre causada por la nueva libertad política y licencia artística tras la muerte de Franco[6], y el urgente deseo de modernizar instantáneamente España, Rafael Navarro prefirió permanecer en calma disciplinadamente, retornando a los conceptos serenos y acríticos de la fotografía clásica modernista. Hasta cierto punto, artísticamente hablando, se encontraba como un pez fuera del agua con su generación. La primera reproducción de Navarro en la revista madrileña Nueva Lente, una publicación que data de 1975 y considerada radical para su época, es una representación de un árbol retorcido cuyas torturadas extremidades de curvas abstractas recuerdan a los pimientos de Edward Weston de 1930. Su primer desnudo femenino data de 1968, y su primera serie completa de 1975 (Formas). Durante los años 70, las fotógrafas femeninas denunciaron la exploración de su propio cuerpo, censurando la mirada masculina que premia la atracción sexual y la belleza externa, una postura con la cual, obviamente, Navarro no comulgaba. La degradación del cuerpo se es uno de los anatema de la estética de Navarro. El tercer fundamento de la obra de Navarro es que no participó de las llamadas «contaminaciones» del medio fotográfico, porque prefirió no manipular ni el objeto ni el medio fotográfico, y trabajó sin color. Además, se abstuvo de emplear la vulgarización corporal y la sexualidad explícita,. Análisis de la Obra
La foto es parte de un Tiraje de 15 originales numerados del 1/15 al 15/15 realizados por el propio autor, la foto elegida es tientos 7. La serie se llama TIENTOS. Primero, Navarro visualiza la composición y elimina los detalles accesorios antes de hacer la toma. El cuerpo está dispuesto acentuando el riguroso contraste positivo-negativo entre el blanco y el negro para crear con elocuente simplicidad y con pocas gradaciones tonales, ilustrar el impacto poético de la simplicidad, al igual que weston en 1930 con los pimientos, navarro busca a cualidad erótica, abstracta y táctil de aquello fotografiado. Numerosas composiciones de Navarro están construidas geométricamente. El triángulo se repite en muchas de sus series, casi siempre en referencia al área poblada por el vello púbico. La presentación del cuerpos como objetos aislado, autónomo, cuerpo que se transforma en paisaje, se podria decir a la inversa de Weston donde en los paisajes se encuentra en cuerpo. El encuadre, el recorte que hace del mismo, fragmentado, anónimo, que ni siquiera es esencial por ser cuerpo ya que tranquilamente puede ser otra cosa,(un pimiento verde según Weston). Se transforma en ese paisaje que ya no es la realidad dada sino aquello que el fotógrafo busca de él. En la imagen se reconoce el uso de los fragmento que desarrolla en la serie, repite las formas. El fragmento, y no la pieza en su totalidad, es el vehículo de la emoción. El desnudo abstracto del fotógrafo es anónimo y no tiene rostro; no es un retrato. Solo vemos en la fotografía, apenas una parte de una parte del cuerpo femenino, un cuerpo femenino genérico. Ella está despojada de su identidad sin ninguna narrativa, sin connotaciones históricas o políticas ni referencias culturales. El cuerpo femenino y su piel son El cuerpo desmayado, del que se levanta una pequeña mata de bosque en el centro del pubis, escondida y descubierta por una tela casi tan suave como la textura de la piel. adquieren otra dimensión, la tentación de la carne que es metáfora de la mirada, veneración y ascenso al placer. Enfoca toda nuestra atención en una composición central. La diagonal que cruza toda la imagen, esas formas geométricas trazadas por las líneas internas del cuerpo y las sabanas. Rafael Navarro es un artista clásico y moderno. Percibo la trayectoria fotográfica de Rafael Navarro en torno al eje principal del cuerpo de la mujer, interrumpido por caminos que emprende y que abandona, por los que se encamina y vuelve para seguir nuevamente reflexionando, fotografiando el origen mismo de su fuente fotográfica, el cuerpo femenino. Si bien tiene sus grandes comparaciones con Weston, ambos buscan diferentes caminos para mostrar de manera intencionada el erotismo, Weston los busca en analogías de la naturalezas, Navarro en el cuerpo de la mujer, Weston buscas diversos objetos de la realidad diferentes y es desde su intensión de fotógrafo que busca la sensualidad de la forma. Navarro busca desde la sensualidad del cuerpo femenino la intencionalidad del que observa, el placer y lo erótico del que está observando. En tanto Moulin muestra una realidad como tacita, la sexualidad sin velo, el cuerpo desnudo sin mayor intencionalidad que la mostración del mismo.
[1] La Fotografía directa fue un movimiento en el que se buscaba reivindicar la fotografía como medio artístico, sin preparar o intervenir el tema a representar en las imágenes. A comienzos del siglo XX, los artistas progresistas comenzaron a interesarse por una nueva estética basada en las propiedades características singulares de su medio de expresión. comenzaron a hacer fotografías que no emularan a otros medios, como en la fotografía pictorialista. El objetivo era obtener resultados a través de medios estrictamente fotográficos. Por fin la fotografía era aceptada como medio artístico legítimo.
[2] Photo-secession fue un movimiento artístico fundado por Alfred Stieglitz junto a Edward Steichen y Alvin Langdon Coburn en 1902 en Nueva York. En esta época, la fotografía era considerada, por su supuesta realización mecánica, una forma burda y fácil de reflejar la realidad más prosaica. Stieglitz, dedicado siempre a la lucha en defensa de la fotografía como arte
[3] El Grupo f/64 fue una asociación fotográfica que se fundó en California en 1932 bajo la influencia de Paul Strand. La propuesta de f64 para la fotografía artística está sintetizada en el propio nombre del grupo: el diafragma más cerrado del objetivo fotográfico, que da como resultado una imagen de máxima nitidez. Partidarios de la fotografía directa, es decir, no manipulada, sus fotografías más importantes se caracterizan por su gran profundidad de campo, su realismo, la composición, y el control de las zonas. Los movimientos de fotografía pura se oponían tanto a las contradicciones del pictorialismo como a la experimentación que realizaban las vanguardias
[4], en el campo de las artes, poiesis refiere a la fascinación provocada en el momento en que, mediante múltiples fenómenos asociativos aportados por la percepción, los distintos elementos de un conjunto se interrelacionan e integran para generar una entidad nueva, denominada estética.
[5] El Grupo fotográfico Alabern fue una asociación de fotógrafos españoles creada a mitad de los años setenta y que compartían unas ideas fotográficas de vanguardia reivindicando la «fotografía de autor» como expresión artística. Adoptaron el nombre en homenaje a Ramón Alabern y Casas que realizó en 1839 la primera fotografía conocida en España.
[6] Dictadura de franco (1939-1975) El final de la Guerra Civil no supuso el fin de la violencia política ni la vuelta a la normalidad. El nuevo sistema político iniciado a partir del 1 de abril de 1939 produjo la inmediata posguerra estuvo presidida por la represión y la persecución política, Las bases de la dictadura fueron entre otras el nacionalismo español, el catolicismo y el anticomunismo, que sirvieron de apoyo a un gobierno de dictadura militar autoritaria que se autoproclamó como "democracia orgánica" en oposición a la democracia parlamentaria.
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